Obras – Teatro La Puerta

Hombre Acosado por Demonios Ante un Espejo

Esta reescritura de Los Invasores plantea la aparición de un eje narrativo en el que M, alter ego del Meyer de Wolff, espera en una azotea la ceremonia en la que se inaugura uno de los nuevos edificios de una de sus numerosas empresas. Mientras respira el frío aire de las alturas, frente a un espejo, se le acerca un personaje misterioso, que tiene una relación con el China de la obra re-escrita. Este individuo, llamado La Sombra, aparece como el invasor, como lo que invade en el lugar intocable de M, con la intención de enfrentarse a él y, probablemente, matarle..

En las escenas siguientes, se presenta otros personajes, que emergen desde diversos lugares del edificio : La Esposa de M, su Hija y la Andrógina, relectura de la Tole-Tole, de Wolff, quien se convertirá en un elemento central en la subversión del cóctel y, en consecuencia, del mundo creado. A medida que transcurre la acción, se evidencia que abajo, en la entrada del edificio, una multitud de personajes anónimos están “colándose” a la celebración, con intenciones inciertas. Poco a poco, el lugar comienza a ser asediado por esta masa que, uno a uno va tomándose los pisos.

Cada una de estas situaciones que ocurren en la azotea resulta ambigua. Por una parte, los sucesos parecen ocurrir en un escenario real. Por otro lado, algunas de los acontecimientos constituyen una verdadera una proyección paranoica de M quien, desde el principio, ha contemplado lo que sucede desde el espejo, transformando todo lo ocurrido, por momentos, en una alucinación personal en un espacio vacío.

Páramo

Tomando como material la obra de Germán Luco Cruchaga ” Amo y Señor” estrenada en 1926, Páramo es un trabajo que indaga en las zonas oscuras del texto original y que bien podrían quedar definidas en el eje: Violencia y cuerpo. En el caso de “Amo y Señor” la violencia tiene la forma de diferencia de clase en la que la familia aparece como una imagen a escala del cuerpo social. Así, la violencia contenida es el dispositivo pulsional que mueve a los personajes en función de la destrucción del extranjero, del advenedizo: del otro.

Páramo propone desplazar el conflicto de clase a una figura más genérica y amplia, la de un inmigrante, pretendiendo develar que lo que se encierra detrás del odio al otro es un sistema de relaciones humanas que se ha construido sobre la base de la explotación de unos sobre otros y que sus posiciones no son esenciales, por el contrario, son mutables y reversibles. Cada cual usa al otro en la medida de su beneficio propio, apenas se encuentra en situación de hacerlo. Es sobre estas premisas que se construye la historia

Idilio Final

Cuadro parodia de la familia ideal formada por Irina, la madre, Bruno, el padre y los hijos Clara y “Jose”. Los cuatro integrantes realizan distintos juegos: con las identidades de cada uno, con el lenguaje y con el tiempo. Este recurso plantea una gran metáfora sobre la representación y las forzadas relaciones familiares. Por medio de frases cortas y agudas los personajes desestabilizan la supuesta normalidad del diálogo y se convierten en voces que muestran el sinsentido del juego. Las referencias al Pirandello de “Seis personajes en busca de autor” y de “La cantante calva”, de Eugenio Ionesco, nutren de ironía y contenido esta ágil comedia , evaluada como uno de los mejores montajes del noveno festival de dramaturgia europea contemporánea, realizado en Agosto del presente año.

Plaga

La obra propone tres situaciones escenicas ,cuya vinculación argumental sólo se va comprendiendo a lo largo de la obra. En la primera , dos hermanas , invadidas en su casa por una serie de insectos, reciben la visita de un exterminador al que posteriormente invitan a quedarse con ellas. La segunda muestra a dos guardias que resguardan un misterioso galpón con la orden de no ingresar por más que escuchen ruidos sospechosos. En la tercera, una mujer emprende un viaje aparentemente huyendo de su pasado.

La invitación de las hermanas al exterminador devela la necesidad de reestablecer una comunidad perdida , una que quizás es imposible, puesto que se funda en dinámicas de dependencias inmutables y en una persistente negación de la ausencia que ha dejado una huella y del pasado. Por su parte , la lucha de poder entre los guardias pone en evidencia la obsesión del más joven por develar un secreto que el viejo no está dispuesto a enfrentar, justificandose en la férrea obediencia a las ordenes de sus superiores. Finalmente, en el tercer mundo de la obra, referencia directa a la obra original ( ” La Mantis religiosa “) la mujer que viaja radicaliza el destino de uno de los personajes. Adela , va en busca de un modelo de felicidad y bienestar, construido a partir de los estandares de la sociedad de consumo y la publicidad

Palabras y Cuerpos

Texto épico e íntimo a la vez. Es una travesía interna; una odisea urbana protagonizada por una mujer sola de 40 años; un paseo incansable por mundos diferentes, lugares cotidianos, seres que se cruzan, desparecen y reaparecen. Es una expresión nítida del flujo de una vida que no se detiene y donde no hay lugar para el encuentro.

Los Mountainbikers

Ana, Manfred, Francisca y Lina participan en la producción de un spot publicitario, lo que permite exhibir los arquetipos de este medio, un discurso que funciona como reflejo de la contemporaneidad y la búsqueda
incesante de un objetivo prometedor, pero que termina siendo una falacia.

Escrita implacablemente con el sello de la post-absurdidad, a veces recuerda a Kafka por su tensión entre la vida monótona y el retrato brutal del aislamiento de los seres humanos, aún cuando aquí se los presenta como parejas y familia. Los habitantes del suburbio bien ornamentado de una ciudad moderna evidencian su agonía y pierden la esperanza a pasos agigantados. “Escúchate. A estas alturas, sólo nos alimentamos de mentiras. Nuestros estómagos están revueltos. Vomítalo. Di lo que quieras, pero di algo que nos sirva para avanzar. O si no, nos vamos a ahogar todos”, le dice Ana a su esposo, Manfred. Y todos se ahogan, o más bien caen, al punto de que, después de azotar en el pavimento (no sólo de forma simbólica), es mejor fingir que nada ha sucedido, para sobrellevar la caída. De los seis personajes que constituyen la obra, nunca hay más de dos en escena, generándose una serie de posibles combinaciones de vínculos retorcidos, como el romance que sostiene Francisca con el esposo de Ana, y el romance de ésta con el hijo adolescente de Francisca.

Calias, Tentativas Sobre La Belleza

“Calias, tentativas sobre la belleza” es una reflexión escénica en torno a lo bello en el mundo contemporáneo. Los diversos elementos constitutivos de la puesta en escena (materiales textuales, actorales, espaciales, visuales y musicales) son utilizados como instrumentos para reconstituir los despojos de la belleza dispersos en la cultura occidental, en la historia, en el espacio fragmentario del hombre de hoy, dando cuenta de un intento de asir, por lo menos por un instante, los contornos misteriosos de lo bello.

Las voces o personajes sobre la escena están en busca de Calias, personaje que adopta diversas facetas y que, como la belleza, huye, se desvanece, se transforma. Cada una de estas voces tiene una mirada distinta sobre este ser que, al modo de Proteo, aparece ante cada uno de ellos con un rostro distinto y, a veces, contradictorio.

La propuesta escénica se propone, en consecuencia, como una especie de búsqueda o ensoñación detectivesca en torno a este personaje ausente, Kallias, que se constituye en metonimia de lo bello o, tal vez, en su alegoría. Cada actor/personaje intenta recuperarla, descubrirla, nombrarla.

El espacio escénico propuesto está caracterizado por el despojo y la asepsia, donde el cuerpo del actor tendrá la posibilidad de transformarse en el laboratorio donde ocurre la búsqueda individual y colectiva de lo bello. Existen, no obstante, sutiles dispositivos escénicos (iluminación, proyecciones, utilería) capaces de evocar espacios de experimentación científica -por ejemplo, las cámaras de rayos UV propias de los tratamientos dermatológicos- fortaleciendo la idea de la indagación y el carácter exploratorio de las voces/actores/personajes de la obra. Sujetos cuyo organismo está amenazado en su integridad física, mujeres obsesionadas con el cuerpo, bulímicas, artistas en la búsqueda de una obra perfecta, científicos o alquimistas, que indagan las claves de la belleza de la vida. . Todos ellos, intentando experimentar lo bello desde las complejidades propias de la modernidad.

Putas Errantes

En “Putas Errantes”, Theresia Walser describe con fluida pluma y con un seguro uso de los recursos cómicos, la relación entre los géneros. Por una parte, nos muestra una mesa de hombres: Albert, para quien lo más atractivo es renunciar a las mujeres; Olaf, que se alegra cada vez que no se le permite fumar; Rainer, que sueña con pies de mujeres; y finalmente Georg, el único de los cuatro que está casado y vive apostando por la fidelidad de su mujer. A esta ronda masculina, opone cuatro mujeres en un bar de hotel. Tres de ellas trabajan juntas: Leonie, la que lleva la palabra, Lydia, la hacker de contraseñas e Inés, que debe recordarle a Leonie que debe pensar en su marido. Están esperando a Bastini, el socio italiano con el que Leonie espera lograr una doble fusión, comercial y coital. Sin embargo, en vez de un señor, aparece una señora Bastini.

En la obra de Theresia Walser los hombres y las mujeres, con sus problemas y neurosis, no se mezclan. Solo en las escenas intermedias se encuentran los géneros, representados por las figuras de Ute y Ronnie, pareja de actores porno que discuten sentados en el banco de un parque sobre “el más hermoso pasatiempo del mundo”. Y sobre quién haría un mejor papel en esa representación.

“El lenguaje es para Theresia Walser siempre mucho más que una ‘representación social’. El lenguaje es impredecible, polifónico. Incluso a una triste figura como la de Olaf ella es capaz de elevarla a las más vertiginosas alturas. El pie plano no es impedimento para que haga bailar a alguien sobre la cuerda floja. El resultado es altamente cómico, y estamos, además, ante una comedia de lenguaje, una de las mejores y más efectivas que conoce el teatro alemán contemporáneo”

Nadar Como Perro

Carlota y Roberto han decidido separarse a instancias de ella. Roberto se queda momentáneamente viviendo en el sótano de la casa, y desde ahí sigue los pasos de Carlota, que luego entabla otra relación, a pesar de la presencia invisible de su ex marido.

Este es un texto dialogado de manera coloquial y fluida, en apariencia una situación aceptada, pero que sin embargo, instala un ambiente enigmático y exasperante.

Juan, Víctor e Ingrid completan un micro universo de personajes cuyas vidas convergerán en el departamento de los protagonistas de la obra. La puesta en escena del texto, celebrado por la prensa y el público que repletó las funciones de la obra tanto en Santiago como en Viña del Mar, incluye diversos elementos teatrales (música, cámaras on-line, videos, karaoke, etc.), otorgándole al montaje un dinamismo que logra combinar exitosamente los temas planteados con el juego visual y actoral, elevando a “Nadar como perro” al sitial de una obra de gran interés.

Sex, Según Mae West

La obra “Sex, Según Mae West”, puesta en escena por la compañía “la puerta”, nos pone en el centro nervioso de lo más paradigmático de las expresiones teatrales contemporáneas.

La obra representa con admirable vigor la contundencia de un autor contemporáneo y un grupo teatral dispuestos a experimentar en torno a las convenciones estilísticas, siempre en favor de una autoría insurgente y muy libre. El poder detonante de la agitación permanente, tal como la practica pollesch en sus obras dramáticas se basa sobre todo en la comicidad y las protagonistas de “sex…” ellas son extremadamente cómicas en sus esforzados intentos por entender: “¿qué es realmente la sexualidad?” En el contexto de las actuales sociedades de consumo. Los tres personajes femeninos de la obra, expresan su imperativa intención de comprender y explicarse en definitiva “lo que el amor es”.

La puesta en escena recurre a la utilización de diversos medios expresivos durante la representación, los cuales van desde los relacionados a la propia actuación teatral y su integración con grabaciones en video y proyecciones en línea, hasta la utilización de micrófonos, música, etc. Favoreciendo en definitiva la manifestación de un teatro en permanente deconstrucción, fiel testimonio de una forma artística que va a la par del siglo xxi.

Inocencia

La obra narra historias de las zonas marginales de la sociedad, de los círculos de insignificantes personas comunes y corrientes, y sus problemas para enfrentar la distribución a veces casual de culpa e inocencia.

En el típico “estilo Loher”, el texto está impregnado de un humor macabro,negro y estridente y un lenguaje poético casi diáfano y exaltado. Una de las líneas de la acción muestra los dos inmigrantes negrosilegales, Fadoul y Elisio, quienes, como si estuvieran completamente paralizados, son testigos impasibles de la muerte por sumersión de una joven mujer. Desde ese momento Elisio ya no logra conciliar el sueño,mientras que Fadoul sale a disfrutar la vida. En un paradero de buses se topa con Absoluta, una joven ciega. En el mismo lugar encuentra además una bolsa plástica con mucho dinero en su interior; a partir de ese momento afirma insistentemente haber encontrado a Dios en una bolsa plástica.

Electronic City

Esta historia de amor electrónica anti-sentimental de Falk Richter, puesta en escena por la compañía “la puerta”, nos pone en el centro nervioso de lo más paradigmático de las expresiones teatrales contemporáneas.

“Electronic city” representa con admirable vigor la contundencia de un joven autor y un grupo teatral dispuestos a experimentar en torno a las convenciones estilísticas, siempre en favor de una autoría insurgente y muy libre. La obra toma a la tecnología, los medios de comunicación de las sociedades de consumo, analizándolos sin piedad, para dejar a los protagonistas en un breve estallido emocional al final de la obra cuando descabezan el sentido de la palabra amor.

Siete actores en escena dan cuerpo a la historia de Tom y Joy. Ellos, ubicados en las antípodas del escalafón social, él un exitoso empresario que recorre el mundo y ella una cajera de un centro comercial de un aeropuerto- son los personajes que protagonizan la obra, la cual a ratos se transforma en una pieza documental, en una grabación de una película o en un programa de tv.

La puesta en escena recurre a la utilización de diversos medios durante la representación, los cuales van desde los relacionados a la propia actuación teatral y su integración con grabaciones en video, proyecciones, utilización de micrófonos y continuos virajes estilísticos, favoreciendo en definitiva la manifestación de un teatro en permanente deconstrucción, fiel testimonio de una forma artística que va a la par del siglo xxi.

El Lujurioso Sol de Verano

Obra que integra el homenaje con el que El Teatro Nacional Chileno celebró el natalicio de Pablo Neruda. Para ello, invitó a cuatro dramaturgos chilenos y a un alemán, todos destacados artistas de diversas edades, experiencias de vida y formación estética, para que escribieran sobre aspectos relevantes de la rica y compleja biografía y obra de Neruda.

El poeta intenta seducir a una gran estrella del cine francés, en el camerino de ella, a través del recurso de la palabra, la forma con que se comunica e interpreta al mundo. Pero no se da cuenta que él mismo caería en las redes del magnetismo de la artista europea.

Esperpentos Rabiosamente Inmortales

El más antiguo de los muertos de un cementerio se enamora de la estatua de una mujer. Manuel, un publicista arruinado que vive clandestinamente allí, se entera de esto y le asegura que él puede realizar el milagro de hacer que la estatua cobre vida y le ame. Los muertos del cementerio lo juzgan a Manuel por sacrilegio, pues consideran que cualquier acto que altere el orden normal de las cosas va contra las leyes de dios.

La obra es una lúcida y ácida mirada sobre la realidad nacional. A modo de metáfora, el autor sitúa a los poderes del estado encarnados en divertidos y patéticos personajes de un cementerio imaginario que mucho tiene que ver con chile. Una obra que permite a la vez que entretenerse con los esperpénticos personajes de la obra, despertar el pensamiento crítico del espectador.

El Peso de la Pureza

Cuando Th. Adorno trata de explicarse el silencio del pueblo alemán ante la persecución nazi, plantea que la posibilidad de tal sumisión, por una parte; y de esa irrupción desatada de la agresividad por el diferente, estaban latentes en la sociedad. Tal condición es lo que el pensador alemán denominará personalidad autoritaria.

A partir de estas reflexiones es que se levanta la trama del Peso de la Pureza.

Un padre con un pasado. Y su necesidad de vivir en estado de guerra. Una Madre – que no puede salir de su rol masificado de esposa, y termina por ser cómplice silente de la violencia.

Una hija que crece demasiado rápido tratando de entender el encargo de su historia y es obligada a ensimismarse como única escapatoria. Un drama sobre el secreto y la confabulación, sobre el peso de la memoria y la imposibilidad del amor. En fin una obra que muestra que los impulsos autoritarios también están latentes en nuestra sociedad, aguardando aparecer, especialmente, en las situaciones más cotidianas. Esta obra es una alegoría de este inconsciente colectivo.

Zoológico de Noche

El texto propone una indagación en el cerrado universo de cuatro seres marginales que han creado reglas tácitas para la sobrevivencia. Ellos viven en un estado de moral diferente y sobre todas las cosas , inestable. Por lo tanto es un cuestinamiento a la moral establecida y a valores que , actualmente están en proceso demodificación , como un texto comprometido con su tiempo , muestra metafóricamente las consecuencias.

Heidi Hoh Ya No Trabaja Aquí

La obra, en términos generales, aborda el tema de la inclusión de la mujer en el ámbito laboral, en el marco de la globalización en un mundo tecnologizado. La obra rompe la línea dramatúrgica convencional, plateando un teatro sin personajes, sin argumento ni línea de acción dramática. Lo cual obliga a las intérpretes a situarse en un continuo presente.

El Juego de las Preguntas

La obra propone una reflexión en torno al génesis de la pregunta misma, planteando el retorno a la búsqueda de las preguntas fundamentales.

“… no es para que nos respondan una pregunta, sino para que en el silencio de los antiguos oráculos, cada uno descubra cuáles siguen siendo aún sus preguntas”

Una extensa planicie compuesta por cinco toneladas de sal y una iluminación con un fuerte acento en el carácter atmosférico de las escenas, son aspectos que se imponen dentro del marco visual de la obra, la cual está cargada de contenido altamente poético y simbólico.

Edipo Asesor

En el legendario reino del rey Saúl una guerra civil sin cuartel asola al palacio.
Es convocado el famoso asesor Oziel a fin de encontrar término a dicho conflicto bíblico.
Durante su permanencia en el reino, el nuevo asesor sostiene un tórrido romance con Judith , la amante del rey y mantendrá una ferrea disputa política con el asesor saliente, Jeremías .
Finalmente Oziel descubre que Judith , la mujer con quien se ha acostado es su propia madre y termina por asesinar al viejo rey Saul, su padre no reconocido , quien lanzó , a su hijo Oziel, a las aguas de el río Mapocho……..

El autor revisita, en tono de tragicomedia el mito de Edipo y muchos de los tópicos de la contingencia nacional ( cuestionando a los poderes políticos , económicos , comunicacionales , entre otros.)

La Cándida Eréndira

Adaptación de la cruel, encantadora y sugerente historia de García Márquez, en la que temas como la libertad, la injusticia, el amor y la ambición, se entrecruzan para contar la historia de una adolescente sometida a la servidumbre y la prostitución, a la vez que su encuentro con el amor y su liberación final.

“La cándida Eréndira”, es la historia de una hija ilegítima que, por descuido, es responsable del incendio de la casa donde vive, junto a su abuela. Esta , le hace pagar muy caro el error, llevando a su nieta a través del desierto, con el propósito de encontrar clientes que acudan a “La carpa del amor errante” y de esta forma cubrir la deuda.

La versión teatral de la obra, está marcada por el dinámico juego escénico y actoral. Apoyados en el maquillaje, la música, la acrobacia, el canto y el baile, los actores permitirán acercar al público juvenil al conocimiento de uno de los autores contemporáneos mas importantes de nuestra lengua y el mayor representante del “ Realismo Mágico” .

Dios ha Muerto

Dios a Muerto es un recorrido transversal sobre la vida del siglo XX, con personajes como una top model y un animador de TV, recoge la caída de las utopías y especula sobre un nuevo mesías que está por llegar.

Esta obra no se trata de la televisión , es una reflexión en torno al fin de siglo, a la caída de las utopías y en ese sentido es una obra fragmentaria, o sea, muestra diversos momentos de distintos personajes. Ellos funcionan como íconos o símbolos: el joven es el protagonista, que está siendo adiestrado en algo así como una logia secreta, cuyo gurú es nietszche, ya loco postrado y cuidado por su hermana, pero también existen la madre, el padre, el viejo, el profesor, el famoso conductor de televisión o la top model. Estos últimos son íconos de la cultura pop y no son el sostén de la obra en una sociedad anárquica y convulsa.

La Voluntad de Morir

La obra muestra personajes a la deriva, solitarios (“la muerte es un asunto solitario”), con mucho dolor a cuestas, viviendo sus propias “deserciones”, en una permanente opción – rebelde, romántica, lúcida – por dejar libremente este mundo. Esto conlleva una reflexión en torno a los sentidos y sin sentidos de la existencia, a los conflictos individuales y sociales y, en definitiva, a los verdaderos motivos que inducen a los individuos a quitarse la vida.

Cocodrilo

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La Metamorfosis

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Informe Para Una Academia

Informe para una academia es la docta conferencia de un mono que se ha convertido en hombre y triunfa en todos los music-halls; la descripción de su metamorfosis es bien poco halagueña para la condición humana”. De esta manera, a partir de la situación central del espectáculo, se van conformando algunos elementos significativos que subyacen detrás de las palabras de ese mono viejo que ha ingresado en el mundo de los humanos. Nos referimos a la problemática de la libertad (“Nadie tiene derecho a avasallar a nadie”), al tema de la educación y, en definitiva, a una honda reflexión sobre la condición humana, en esa eterna dialéctica entre civilización y barbarie. Desde esta perspectiva, sin duda, el monólogo tiene aún una real vigencia. Como lo señala el personaje, “aprendí a llenar con palabras lo que estaba vacío”.

Ulises

Dioses y hombres navegan en “Ulises”, versión libre de algunos episodios del monumental texto de Homero; “La Odisea”, llevado a escena por la compañía de Teatro “La Puerta”.

El viaje de Ulises, de vuelta a su amada Itaca, luego de vencer en Troya, está plasmado de aventuras y encuentros que lo prueban y hacen madurar. El héroe debe enfrentarse a sí mismo para llegar íntegro y encantador a los brazos de su fiel y esperanzada esposa. El palacio, durante años ha siso acosado por pretendientes indómitos y traicioneros, que no desean respetar ni mujer, ni hijo, ni trono. Por lo tanto, el regreso tendrá que devolver a un hombre crecido, lleno de sabiduría, valiente y dispuesto a todo.

Las peripecias de Ulises, llegan a través de telones transparentes, al fondo, que permiten sugerentes sombras; otros telones que deslizan, muñecos grandes y pequeños, una máscara gigante y otra más pequeña para incorporar a Eolo, dios del viento que luchó en el bando de Ulises y un dragón representando a Escilas, una monstruosidad marina de muchas cabezas y patas, la peor y la mas terrible de las aventuras que sufrió el griego. Así entonces el espectador redescubre que Homero era no sólo un poeta, sino uno muy entretenido.

Zaratustra

¿Por qué hacer el zaratustra?

Montar zaratustra se nos presento como una necesidad urgente. La lectura y relectura de la obra nos permitió asistir a repetidos pasajes de un desenfreno poético, que todavía hoy no nos dejan de sorprender.
Sin duda el desafío era enorme ¿cómo abordar a un pensador que tanto en su vida como en su obra se nos presentaba tan controvertido como contradictorio? ¿Cómo seleccionar dentro de la vastedad de una obra monumental como la suya? ¿Cómo aunar, por último, conceptos aparentemente disimiles tales como “lo teatral”, con “lo filosófico”? ¿Era posible? Nuestra versión de “así hablaba Zaratustra” quiso, en parte, hacerse cargo de algunas de estas consideraciones. Zaratustra es Nietzsche y Nietzsche es zaratustra. A lo menos contábamos con una noción teatral. Contábamos con un personaje. Ahora quedaba escucharlo. Dejar que resonara en nosotros. Era necesario entonces saber escucharle. Vaciarnos para permitir ser habitados no solo por su inteligencia, sino también por su espíritu danzarín. Esta fue la premisa que rigió desde un comienzo el desarrollo de nuestra creación.

Más de 100 funciones realizadas, giras fuera del país y una serie de enriquecedoras experiencias humanas y artísticas, dan cuenta de una obra cuyos logros pueden medirse en directa relación con los riesgos que implicaba embarcarse en tamaña aventura.

Cagliostro

Un halo de misterio rodea la figura de Giussepe Bálsamo (1734-1795) más tarde conocido con el nombre de Conde de Cagliostro , quien afirmaba entre otras cosas, tener más de tres mil cuatrocientos años, gracias al conocimiento del elíxir de la vida. Calificado por algunos como un simple charlatán y un prestidigitador de primer orden, considerado por otros como un verdadero iluminado, lo cierto es que la personalidad de Cagliostro logró atravesar más de un siglo de conjeturas, para situarse en el centro de atención de aquel “curioso de cosas curiosas” que era Huidobro.

La Novela de Huidobro nos muestra a un Cagliostro asentado en la ciudad de Estrasburgo que se dedica a sanar enfermos, resucitar muertos, fabricar oro y a preparar los detalles para la fundación de la Logia Isis, de la cual sería único líder y guía espiritual. En la segunda parte de la novela nos encontramos con un Cagliostro dominado por la ambición. El mago, henchido de poder, abusa de él para su beneficio personal , causando la muerte de Lorenza, su esposa y traicionando, en última instancia , la misión que le encomendara Saint Germain. Finalmente, cuando ya es demasiado tarde, Cagliostro comprende la magnitud de su error, mientras termina de internarse en medio de la noche oscura.

Los Monstruos

Tres Monstruos, Nosferatu , Frankestein y el Hombre Lobo, ponen de manifiesto el habla oculta de nuestra conciencia síquica, considerando a estos personajes como la representación física del mal. Pero no se trata de una oposición con el bien, sino de una prueba de vecindad e interdependencia cotidiana entre lo monstruoso y lo natural.

Para mayor inquietud, las influencias y relaciones mutuas se establecen a través de figuras no sólo aparentemente opuestas, sino registradas como íconos de levedad: La Luna y Caperucita Roja, ambas femeninas y destinadas a un diálogo abierto con los monstruos en este viaje alegórico.

Pensar es Sufrir

“Pensar es sufrir”, constituye el segundo trabajo escénico de la compañía “la puerta”. La obra surge a partir de una solicitud del departamento de extensión cultural de la universidad diego portales y fue presentada en esa casa de estudios.

Dadas así las cosas y en virtud de autores y teorías que en aquel momento ocupaban nuestra atención, recogimos algunos textos de la copiosa obra poética de Antonin Artaud y elaboramos una obra que temáticamente se refería tópicos tales como la locura, la soledad y el amor, entre otros.

Dos personajes, marcados por una relación amorosa fisurada, tal vez por la traición, tal vez por la locura, tal vez producto de ambas cosas; se relacionan en un espacio ficcional, quedando finalmente en evidencia la imposibilidad de un futuro reencuentro entre ambos. Treinta minutos de duración, para una un experimento per formatico que sería una especie de puente entre el humor de “comedia funeraria”, nuestra anterior producción y “los monstruos”, creación que sin dejar de lado el aspecto lúdico, se concentraría también en cuestiones más profundas.

En un plano más anecdótico, podemos decir que “pensar es sufrir” fue el único trabajo de la compañía, que hasta la fecha ha contado con la interpretación de música en vivo durante la representación.

Comedia Funeraria

A partir de textos seleccionados de la creación poética de Nicanor Parra, en marzo de 1991, un grupo de estudiantes recién egresados y otros a punto de egresar de las carreras de actuación y diseño teatral de la universidad de chile, los cuales habíamos formado parte del elenco de la obra “marat-sade (dir. Por Fernando González) nos propusimos emprender nuestro primer acercamiento a la creación teatral independiente. La obra se llamo “comedia funeraria” y la compañía “la puerta”. Fue el inicio de un trabajo escénico que aún hoy, continúa desarrollándose, siempre enmarcado en el contexto de la experimentación teatral y la independencia artística.

No era la primera vez que se había intentado llevar a escena una obra teatral inspirada en el creador de la antipoesía. Ya lo habían hecho anteriormente Jaime Vadell con “hojas de parra”, obra de corta permanencia en cartelera debido a razones totalmente extra artísticas y el teatro de la universidad católica con “todas las colorinas tienen pecas”, entre otras. Tampoco fue el último intento, mas tarde vendrían las obras “parricidio”, “parranda” y “525 líneas”….
En términos generales podemos decir que “comedia funeraria” se desarrolla en un estudio televisivo, en el que un excéntrico animador propone como tema de la noche una pregunta capital: “¿existe o no existe la vida de ultratumba?”. Varios son los personajes invitados a dilucidar la cuestión. Entre ellos veremos a una chica aerobic, un siquiatra, una delirante en el cementerio y finalmente, al mismísimo Cristo de Elqui, quien será el invitado estelar de la noche. El público también tendría una importante participación en la obra, integrándose activamente a la grabación del programa.

La obra fue el inicio de un ininterrumpido proceso de búsqueda de un lenguaje escénico propio y distintivo. En ella estaría la semilla de algunas premisas teórico-practicas que se irían definiendo en el futuro y que aun continúan en la prosecución de su consolidación.